In der Lobby eines Regierungsgebäudes in DC, Kunst und Identitätspolitik

Es ist keine Überraschung, in Washingtoner Galerien Identitätspolitik zu finden. Museen, regionale gemeinnützige Organisationen und andere Kunstzentren haben sich beeilt, Künstlern aus unterrepräsentierten Gruppen einen besseren Zugang zu ermöglichen, insbesondere Institutionen, die früher Rasse oder Klasse völlig verschwiegen. Kluge Kuratoren stellen dieses Bemühen heute in den Mittelpunkt. Organisationen im ganzen Land machen den gleichen Dreh- und Angelpunkt. DC ist nicht anders.

Eines ist jedoch überraschend an der Identitätspolitik in der Kunst Washingtons: Die schrillsten Ausstellungen findet man beim Besuch der etabliertesten lokalen Institutionen.

Ein Beispiel ist „Re/envisioning“, eine Gruppenausstellung am Puls der Zeit. Die von Nicole Dowd und Allison Nance kuratierte Ausstellung vereint Werke von sechs Künstlern, die durch ein Interesse an der Identität verbunden sind – nicht nur durch die Behauptung ihrer eigenen, sondern durch die Herausforderung der starren Systeme, die sie als andere definieren könnten. Es gibt keinen roten Faden in der Geschichte oder im Medium, aber ein Unterton radikaler Unzufriedenheit durchdringt diese akademisch ausgerichtete Show. Seltsamerweise ist es in der Lobby eines Regierungsgebäudes in DC zu sehen.

Die Arbeit von Fargo Nissim Tbakhi ist die direkteste politische. In einem Video, „Palestine Is a Futurism“ (2022), singt ein Performer Sätze, die auf dem Bildschirm über einer Textilinstallation erscheinen. „Meersalz ist ein Internationalismus“, „Hunger ist ein Neokolonialismus“, „Kaktus ist ein Marxismus“ und andere eindringlich klingende, aber mystische Sätze werden fast wie Hymnen gesungen.

Tbakhis Stücke suggerieren mehr Philosophie als Kunst. Diese Sätze sind surreale Variationen eines rhetorischen Mittels, das als Kritik bekannt ist. In der Debatte oder in der Philosophie ist eine Kritik eine Taktik zur Infragestellung der Denkweise eines Glaubens, der auf einer kritischen Theorie über soziale Strukturen basiert. Eine marxistische, neokolonialistische oder transfeministische Kritik funktioniert wie ein Werkzeug, um die normalen Parameter einer Debatte auf den Kopf zu stellen und einen Gegner dazu zu drängen, stattdessen diese kritischen Theorien zu bestätigen oder abzulehnen. Tbakhis Arbeit – sowohl das Video als auch eine Installation seiner Gedichte – ist von dieser Didaktik durchzogen.

Einige der Arbeiten in „Re/envisioning“ stützen sich so stark auf soziale Praktiken, dass das ausgestellte Handwerk wie ein entfernter nachträglicher Einfall wirken kann. Adele Yiseol Kenworthys „What Is Something You Always Wish I Asked and Knew About You“ (2023) zeigt neben Blumensträußen auch Familienschnappschüsse, deren Figuren ausgeschnitten wurden. Die familiäre Sehnsucht ist in diesen Collagen spürbar. Doch die Künstlerin hat ihre Blumenarrangements auch als Akt politischen Protests oder kollektiven Handelns dargestellt. Das ist eine ganz andere Vorstellung, die die Collagen für „Re/envisioning“ willkürlich erscheinen lässt.

Projekte von Antonio McAfee und Stephanie J. Williams glänzen in „Re/envisioning“. McAfees „Through the Layers“-Serie (2017–2019) verwandelt fotografische Porträts schwarzer Figuren aus der Zeit des Wiederaufbaus aus Archivsammlungen des Autors WEB Du Bois und des Journalisten Thomas Calloway in stereoskopische 3D-Collagen. Der absichtlich unvollkommene visuelle Rot- und Cyan-Effekt macht es schwierig, diese Porträts wirklich zu sehen, selbst wenn man eine 3D-Brille trägt – ein kraftvoller Ausdruck des Themas der Unsichtbarkeit, das sich durch die schwarze Porträtmalerei zieht. Auch Williams‘ eindringliche Stop-Motion-Animationen schwelgen in der Mehrdeutigkeit. „Hospes“ (2022) findet eine Ansammlung wurmiger, unpassender Puppen, die in einem Kreis von Türen gefangen sind, die sich ihnen immer wieder schließen. Ein Zuschauer könnte den Titel als lateinischen Wortstamm für Gastfreundschaft erkennen, aber diese Einsicht ist nicht notwendig, um das Video zu verstehen. Ihre Arbeit lässt den Betrachter den erdrückenden körperlichen Schrecken, falsch wahrgenommen zu werden, zutiefst spüren.

Der gesamte Wandtext in „Re/envisioning“ verhindert, dass die Werke für sich selbst sprechen, selbst wenn ihre Bedeutung klar ist – oder, was noch wichtiger ist, wenn die Möglichkeiten vielfältig sind. „Sonic Fracture“ (2023) ist ein Stück aus einer fortlaufenden Performance-Serie von Stephanie Mercedes, in der die Künstlerin Patronenhülsen und Waffen in einer Gießerei schmilzt und das Metall zu einfachen Glocken umformt. Es handelt sich um ein Projekt, das Schwerter und Pflugscharen verbindet, klangvoll und zugänglich und zu kleinen, unvollkommenen minimalistischen Skulpturen führt. Ihre Arbeit weist auf Richard Serra und Lynda Benglis hin, Künstler, die Gussskulpturen durch das Schleudern und Gießen geschmolzener Materialien revolutionierten; Im wahrsten Sinne des Wortes verweisen diese Glocken auf die Zahl der Waffengewalt im Bezirk.

Doch ein Plakat, das das Projekt von Mercedes beschreibt, rahmt es in Form einer kritischen Theorie ein, nicht in Form von Material oder Prozess. Es enthält ein Zitat der Politik- und Sozialtheoretikerin Nancy J. Hirschmann: „Die häufig geäußerte Feindseligkeit gegenüber … queeren Individuen ist eine Folge der Angst vor der Unentscheidbarkeit des [queeren] Körpers.“

Das ist ein schweres Zitat, das man neben jedem Kunstwerk aufhängen sollte, und das nicht, weil das Projekt von Mercedes einer Prüfung nicht standhält. Vielmehr ist es schwer zu sagen, wer sich die Kuratoren unter den Zuschauern von „Re/envisioning“ vorstellen oder wie das Publikum ihrer Meinung nach durch die dicke Suppe der kritischen Theorie navigieren soll. Ist diese akademische Übung wirklich für Leute gedacht, die zufällig auf dem Weg zur DC Child and Family Services Agency vorbeischauen?

Das Bürogebäude beherbergt auch die DC Commission on the Arts and Humanities, daher ist die Ausstellung nicht fehl am Platz. Doch die Regierungszugehörigkeit ist suspekt für eine Ausstellung, die zur Befreiung vom Kapitalismus drängt. Das könnte eine subversive Geste der Kuratoren sein, es könnte aber auch eine zynische Haltung der Agentur sein: sich von der Kritik in die relative Sicherheit der Kritiker in einer überwältigend fortschrittlichen Stadt zurückzuziehen.

Die Kommission ist nicht die einzige lokale Kunstinstitution, die die Praxis als Leitbild betrachtet. Denken Sie an das Washington Project for the Arts – seit 1975 eine angesehene lokale gemeinnützige Organisation für bildende Kunst –, die die Präsentation von Kunstwerken so gut wie aufgegeben hat, obwohl sie 2015 lange und hart darum gekämpft hat, einen dauerhaften Raum auf dem U-Street-Korridor zu eröffnen. Derzeit ist die WPA Gastgeberin sein sechster „Artist-Organizer in Residence“ seit 2021: Ama BE, die sich mit der Ernährung und Medizin einheimischer afrikanischer Einwanderer beschäftigt. Diese Residenz ist nicht für die Öffentlichkeit zugänglich und nicht unbedingt dazu bestimmt, visuelles Kunsthandwerk zu produzieren. Was in Ordnung ist: In Washington gibt es Platz für einen experimentellen progressiven Inkubator. Dieser tektonische Programmwechsel steht jedoch im Gegensatz zur jährlichen Benefiz-Auktion der Organisation, einer Gala, bei der die WPA lokale Künstler auffordert, Erlöse aus dem Verkauf von Gemälden, Fotografien und Skulpturen zu spenden – die Art von Arbeit, die die Galerie kaum unterstützt.

„Re/envisioning“ weist auf ein umfassenderes Phänomen hin, eine Abflachung, die auftritt, wenn Kuratoren einen dialektischen Rahmen gegenüber anderen Faktoren übernehmen, die mit der Herstellung oder dem Sehen von Kunst zu tun haben. Es mag den Anschein erwecken, als wäre es im Moment erforderlich, den Diskurs zu verbessern. Es scheint der einzige Schritt zu sein, der relevant oder überhaupt möglich ist. (Oder finanzierbar.) Aber Kunst bietet so viele andere Möglichkeiten, die Welt zu verhandeln, die ebenfalls wichtig sind. Die Künstler dieser Ausstellung haben pointierte Kunstwerke geschaffen; Die Show stellt sie sich als politische Stichpunkte vor.

DC-Kommission für Kunst und Geisteswissenschaften, 200 I St. SE. reenvisioningexhibit.com.

Termine: Bis 18. August.

Preise: Kostenlos.