Tadaaki Kuwayama (1932)

Der japanische Minimalist Tadaaki Kuwayama, bekannt für seine metallischen monochromen Werke, die gleichzeitig den Lärm der Industrie und die anhaltende Ruhe der Ewigkeit hervorrufen, ist gestorben. Kuwayama war einundneunzig Jahre alt. Die Nachricht von seinem Tod wurde von Alison Bradley Projects bekannt gegeben, die den Künstler vertritt. Wie viele Japaner seiner Generation zog Kuwayama Ende der 1950er Jahre in die Vereinigten Staaten. Er kam im Zwielicht des Abstrakten Expressionismus und am Beginn von Pop und Minimalismus an und inmitten einer Schar von Freunden und Zeitgenossen, darunter Dan Flavin, Sam Francis, Donald Judd, Kenzō Okada und Frank Stella, machte er sich schnell einen Namen mit einem Werkkomplex, der, wie Ronny Cohen 1989 in einer Ausgabe von Artforum schrieb, „die Aufmerksamkeit auf Fragen der Konstruktion, auf die Wiederholung von Handlungen lenkt, was zu geheimnisvollen Formen führt.“

Tadaaki Kuwayama wurde 1932 in der Industriestadt Nagoya, Japan, geboren. Nach seinem Abschluss an der Tokyo National University of Art, wo er Nihonga, die traditionelle japanische Malerei, studierte, zog Kuwayama 1958 mit seiner Frau, der Künstlerin Rakuko, nach New York Naito. Er schrieb sich zunächst in der Art Students League ein, sagte jedoch 2012 zu Kosuke Fujitaka vom New York Art Beat: „Das war kein sehr interessanter Ort; Amateure und bürgerliche Ehefrauen gingen dorthin, und die Lehrer waren allesamt konservativ. Deshalb bin ich kaum zur Schule gegangen. Ich würde mich einfach anmelden und nach Hause gehen.“ Stattdessen engagierte sich Kuwayama intensiv in der Kunstszene der Stadt und begann eine Reihe von Erkundungen, die zur Entdeckung seines eigenen einzigartigen Stils führten. Dies wird am bekanntesten durch die monochrome Leinwand verkörpert, die durch schmale, manchmal kreuz und quer verlaufende Metallstreifen in Segmente unterteilt ist. In seinem Untitled: Red and Blue von 1961, das er in diesem Jahr in Richard Bellamys Green Gallery in New York zeigte, umwickelte er eine rechteckige Leinwand mit einer Papiersorte, die typischerweise in Nihonga verwendet wird und von der er sich verzweifelt zu lösen versuchte. Die rote obere Hälfte und die blaue untere Hälfte des Werks werden von einem dünnen Band aus metallischem Blattsilber in zwei Hälften geteilt. „Ich hatte noch nie zuvor Ölfarbe verwendet und wusste daher nicht, um welche Techniken es sich handelt“, erklärte er Fujitaka. „Und doch konnte ich die Art der Malerei, die ich bereits kannte, nicht ertragen.“

Im folgenden Jahr begann Kuwayama, sich mit der Dreidimensionalität zu beschäftigen, und baute sein erstes freistehendes, bodengebundenes Werk aus einer 1,2 mal 2,4 Meter großen Platte, die mit japanischem Papier bedeckt und schwarz gestrichen war. 1965 gab er Papier weitgehend auf und wandte sich stattdessen der Sprühfarbe zu, die es ihm ermöglichte, flache Oberflächen ohne Pinselstriche und ohne Spuren ihrer Herstellung zu schaffen. Zu diesem Zeitpunkt waren die meisten seiner Werke quadratisch, und das Blattsilber war durch Bänder aus Aluminium oder Chrom ersetzt worden, die ein Werk in Quadranten oder in rechteckige oder dreieckige Hälften unterteilen konnten. In ihren oft kräftigen Farbtönen und glänzenden, lackierten Oberflächen verwiesen die Werke auf die Materialien, die in der Automobilindustrie und der Luft- und Raumfahrtindustrie üblich waren, die in seiner Heimatstadt dominierten. Gleichzeitig riefen ihre unverfälschten Farben, abgemessenen Segmente und sich wiederholenden Formen ein Gefühl der Ruhe hervor. „Kuwayama. . . schafft es, seinen begrenzten Mitteln eine überraschend persönliche Aussage abzuringen“, schrieb Barbara Rose 1967 in einer Ausgabe von Artforum.

Im Laufe der folgenden Jahrzehnte erweiterte Kuwayama seine Praxis um Substrate wie Bakelit, Mylar und Titan, die seinen Arbeiten zwar Härte und Glanz verliehen, ihre ungebrochene Wärme jedoch nicht beeinträchtigten. Der Künstler konzentrierte sich weiterhin auf reine Farbtöne und Formen und schloss alle anderen Bedenken aus, einschließlich derjenigen hinsichtlich einer wahrgenommenen Farbhierarchie, die die Reihenfolge einer bestimmten Reihe von Werkpräsentationen bestimmen könnte. „Ich denke, Farben sollten als gleichwertig behandelt werden“, erklärte er. „Der Punkt ist, dass sie einfach existieren.“

Kuwayamas Arbeiten befinden sich in den Sammlungen bedeutender internationaler Institutionen, darunter des San Francisco Museum of Modern Art; das Indianapolis Museum of Art; die Albright-Knox Art Gallery, Buffalo; das Museum of Modern Art und das Solmon R. Guggenheim Museum, beide in New York; Stiftung für Konstruktive und Konkrete Kunst, Zürich; Nationalgalerie, Berlin; Staatsgalerie, Stuttgart; das Kunstmuseum der Stadt Hiroshima; das Nationalmuseum für Kunst, Osaka; das Museum für zeitgenössische Kunst des 21. Jahrhunderts, Kanazawa; das Nagoya City Art Museum; das Hara Museum für zeitgenössische Kunst, das Museum für zeitgenössische Kunst und das Nationalmuseum für moderne Kunst, alle in Tokio; und das Kawamura Memorial Museum of Art, Chiba.

Das Gefühl der Stille und Zeitlosigkeit in seinem Werk entsprang seiner Überzeugung, dass seine Arbeit ein Gefühl der Existenz darstellen sollte. „Menschen leben nicht nur für die Gegenwart; Sie leben in dem Wissen, dass eine Zukunft vor ihnen liegt“, sagte er zu Fujitaka. „Ich denke, Kunst sollte dasselbe sein.“